Signos musicales (II)

En esta entrada continuamos con los símbolos musicales que nos podemos encontrar a lo largo de una partitura:

ADORNOS

  • Trino: Se trata de la repetición de dos notas separadas por medio o un tono, de forma muy rápida y alternada.
  • Mordente: Indica que la nota a la que acompaña ha de ser tocada con una alteración. Se debe tocar la nota superior o la nota inferior, dependiendo del símbolo. El símbolo que aparece en la imagen es un mordente superior.
  • Grupeto: Indica que se debe rodear a la nota principal por grados conjuntos, es decir, las notas superiores e inferiores. Puede ser ascendente o descendente. El grupeto de la imagen es descendente.
  • Apoyatura: Es una nota ajena al acorde que se toca en el tiempo o parte fuerte y que resuelve a una nota del acorde
  • Acciaccatura o apoyatura breve: Es una nota de adorno que se encuentra a un tono o a medio tono de distancia de la nota principal y se hace sonar al mismo tiempo, provocando una disonancia dentro de la armonía de la pieza.
Adornos musicales.
Adornos musicales. Elaboración propia.

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Signos musicales (I)

¿Alguna vez habéis mirado una partitura y no habéis entendido muchos de los símbolo o signos musicales que aparecen en ella? ¿Os parecen todos iguales?

Todos los símbolos que aparecen en una partitura sirven para algo, y el conjunto de todos ellos, junto con las notas hacen que la pieza en la que se encuentran sea única.

A continuación explicamos algunos de los símbolos más comunes, sin los que no se podría hacer música:

PENTAGRAMA Y LÍNEAS ADICIONALES

Pentagrama
Pentagrama. Fuente.

 El pentagrama es donde se ubican todos los símbolos que escribimos para conformar nuestra pieza. Se compone de cinco líneas y cuatro espacios. Cada línea y cada espacio corresponde a una de las siete notas (Do, Re, Mi, Fa, Sol, La, Si)

Líneas adicionales.
Líneas adicionales. Fuente.

Las líneas adicionales sirven para escribir notas que no se encuentran en el pentagrama, sino por encima o por debajo del mismo.

CLAVES

La clave es un símbolo que indica a qué altura está escrita la música.

Casi todo el mundo sabe que existe la clave de Sol, y algunos otros también conocen de la existencia de la clave de Fa, pero mucha gente no sabe que hay también otras claves, como la de Do.

La clave da el nombre a la nota de acuerdo en la línea en la que se encuentre. Esta nota se toma de referencia para nombrar al resto de las notas del pentagrama.

Clave de Sol.
Clave de Sol. Fuente.

La Clave de Sol se sitúa en la segunda línea comenzando a contar desde la parte de abajo del pentagrama. Como la clave está en esa línea, la nota que ocupa ese lugar se llama como ella, en este caso, es Sol.

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Historia del Rock (III) – Años 80

Igual que pasó al inicio de la década de los 70, el inicio de los años 80 se encuentra marcado por el enfrentamiento entre Estados Unidos y la Unión Soviética: la Guerra Fría. Además. También como el comienzo de la década anterior, el principio de ésta estuvo marcado por muertes de artistas muy relevantes del mundo de la música: John Lennon, Bob Marley

En la década de los 80 surgieron muchos nuevos y diversos estilos musicales. Algunos de ellos iban dirigidos a las masas y otros se dirigían a grupos alternativos más minoritarios. Nacieron los siguientes géneros: Post-Punk, Rap, Electrónico, Dark Metal, New Wave, entre muchos otros.

NEW WAVE

El New Wave se caracteriza por tener un gran componente visual, además de por el uso de sintetizadores reemplazando el uso de muchos intrumentos, y las letras que hablan sobre la igualdad, el pacifismo o la ecología. Uno de los grupos más representativos del género New Wave es The Police, un grupo británico que venía del Punk, pero que evolucionó mezclando Rock, Reggae y Jazz, creando un sonido único. Con la desintegración del grupo en 1985, el grupo irlandés U2 cogió el relevo, para transformarse en una de las bandas más importantes de la historia.

Elvis Costello and the Attractions, Duran Duran o The Pretenders son algunos de los grupos más representativos de este estilo.

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Años 70 – Música Disco

Hacia 1974, la música Disco surgió como un fenómeno poco conocido, no muy seguido por las masas.

Se trata de una música para bailar que sustituía al Soul, dejando atrás el Rythm & Blues y a James Brown, para adaptarse a las nuevas generaciones con un ritmo más acelerados. Estos ritmos acelerados y el nombre Disco dieron lugar a las discotecas.

Las primeras figuras de este nuevo estilo fueron mujeres negras. Entre ellas destacamos a Gloria Gaynor con su ya mítico I Will Survive, y a Donna Summer. 

Las películas también contribuyeron a que esta música llegase a mucha gente. Fiebre del sábado noche o ¡Por fin es viernes! fueron de gran importancia, ya que sólo unos años después todos bailaban en las discotecas intentando emular a John Travolta.

John Travolta en Fiebre del sábado noche.
John Travolta en Fiebre del sábado noche. Fuente.

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Historia del Rock (II) – Años 70

Con los años 70 llega una nueva situación difícil junto a la invasión tecnológica: aumenta el terrorismo, el hambre y la guerra y surge la crisis de la energía, a la vez que llegan los primeros ordenadores y el walkman.
Musicalmente el panorama también está un poco en decadencia: Paul McCartney anuncia en 1970 la separación oficial de The Beatles, y mueren ese mismo año Jimi Hendrix y Janis Joplin, ambos por sobredosis.

Jimi Hendrix
Jimi Hendrix como espectador en el Monterey International Pop Festival de 1967. Fuente.

En los primeros años de la década de los 70 la diversificación de estilos continúa, convirtiendo el Rock en un fenómeno de masas. Los espectáculos de Led Zeppelin, The Rolling Stones y Pink Floyd, entre otros, serán impresionantes visualmente.

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Documentación musical – Webinar de SocialBiblio

SocialBiblio es una comunidad sobre gestión de la información, biblioteconomía y documentación en la que se aprende de forma colaborativa a través de webinars, es decir, de seminarios online, los miércoles alternos a las 22h.

Todos los seminarios quedan grabados y más tarde los usuarios tienen a su disposición los materiales que se han utilizado en el seminario, así como el vídeo del mismo. Son muy interesantes de diferentes temáticas.

El pasado 27 de abril de 2016, se impartió un webinar llamado “Materiales de Descripción de documentos musicales: breve guía para ir al grano”. Me pareció muy interesante y decidí recoger en una entrada parte de las herramientas para la descripción y búsqueda de este tipo de documentos, así como reflexiones al respecto.

Maigua Suso es la profesional que imparte este seminario. Aportando una visión muy interesante, puesto que es musicóloga por el Conservatorio Superior de Salamanca, y tiene el Máster en Gestión de la documentación musical por la Universidad Autónoma de Madrid.
Su experiencia en documentación musical abarca distintos ámbitos, como la descripción analítica de cantorales de canto llano de la Catedral de Toledo (s. XV-XIX), la revisión del catálogo de música del Monasterio de El Escorial (s. XVII-XIX), o labores de indización y resumen para el boletín bibliográfico Medioevo Musicale, con sede en Florencia.

Logo SocialBiblio.
SocialBiblio. Fuente.

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Historia del Rock (I) – Años 50 y 60

ORIGEN

Oficialmente el Rock & Roll aparece con la grabación de “That’s All Right” de Elvis Presley, pero el término comenzó a emplearlo, en 1954 en radio, el disc-jockey Allan Freed para referirse a la música Rythm and Blues (R&B).

Que se considere a Elvis Presley como el creador del Rock & Roll, no tiene tanto que ver con la música que hacía, sino con su carisma, su voz y con lo que representaba para los jóvenes estadounidenses: Transgresión de tradiciones morales y de conducta, y ruptura con los esquemas sociales impuestos hasta el momento.

Elvis Presley (gif)
Elvis Presley. Fuente.

AÑOS 50

Tras la Segunda Guerra Mundial, la sociedad estadounidense vivía en un ambiente triste y deprimido. Los jóvenes necesitaban distraerse y pasarlo bien. Poco a poco, éstos fueron conociendo el Rock & Roll, un nuevo estilo transgresor que nada tenía que ver con todo lo que habían escuchado hasta el momento. Todo lo que giraba en torno a este nuevo estilo encantaba a estos jóvenes: la ropa, la letra de las canciones y la actitud que suponía. En este ambiente de depresión, esta música era de las pocas cosas que diferenciaban a los jóvenes de sus padres.

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El piano y sus partes

El piano es un instrumento de teclado. Pertenece a la familia de las cuerdas percutidas, es decir, que sus cuerdas emiten sonido cuando vibran al ser golpeadas por un pequeño martillo o macillo tapizado de fieltro.

ORIGEN

Alrededor de 1709, Bartolomeo Cristofori (Padua, Italia) creó el piano. Este instrumento tiene como antecesores el monocordio, el clavecín y el clavicordio.

Precisamente porque el piano suple las deficiencias que presentaban el clavicordio y el clavecín en cuanto a contrastes de intensidad, el piano tiene el nombre que tiene:

La palabra “piano” deriva de “pianoforte” (En italiano: piano es suave y forte es fuerte). Con este nombre se indicaba la capacidad del instrumento de producir sonidos en diferentes intensidades según el peso que se le aplicara a las teclas, al contrario que sus predecesores, que sólo producían el sonido a un único volumen.

Piano
Teclado de un piano. Fuente

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El cerebro de los músicos

Sólo escuchando música se modifica nuestro ritmo cardíaco, se generan hormonas y endorfinas, cambia la estructura de nuestro cerebro y se activan partes de él que no lo hacen realizando otras actividades.

Si sólo escuchando una canción pasa todo eso, ¿qué ocurre en el cerebro de un músico cuando toca, improvisa o compone?, ¿es diferente el cerebro de un músico profesional del de un “no-músico”?

Efectivamente, el cerebro de los músicos profesionales es diferente al de aquellos que algunos neurocientíficos denominan en sus artículos como “no-músicos”. La música, como ya hemos dicho, modifica el cerebro y por tanto, los cambios que se producen en la anatomía cerebral, en las neuronas y en las conexiones entre éstas, son diferentes según la persona y el tipo de relación que tenga con la música.

Hoy en día se realizan estudios mediante electroencefalogramas y técnicas de neuroimagen que permiten ver lo que ocurre en nuestro cerebro cuando nos encontramos sometidos a estímulos musicales.

Lo que vemos gracias a las técnicas de neuroimagen son las áreas cerebrales con más actividad.

Las imágenes en tiempo real y 3D obtenidas mediante una Resonancia Magnética funcional (RMf) confirman que los músicos y las personas sin experiencia musical procesan la música de manera distinta y por ello, el número de áreas que se activan de su cerebro son muy diferentes:

Tocar un instrumento involucra casi todas las áreas del cerebro a la vez, siendo más evidente en aquellas personas que empezaron a tocar un instrumento siendo niños.

Al escuchar música, los “no-músicos” sólo reaccionan con el hemisferio derecho (la parte más creativa), mientras que los instrumentistas reaccionan también con el hemisferio izquierdo (parte matemática y sintáctica), lo que permite una percepción más amplia y rica de la música. El proceso de leer música que realizan los profesionales implica interpretar símbolos complejos, mandar mensajes con la información interpretada a los dedos, labios, y los mecanismos vocales; todo ello hace que se active el cerebro en su totalidad.

Dos hemisferios del cerebro
Hemisferios. Fuente.

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